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 Fall-Winter mayo 2014
  Contemporary art & theory journal

Entrevista a Amy Alexander.
Katia Haus
          

Publicado originalmente en faqmagazine.wordpress.com.

Katia Haus - Una de las cosas que he notado recientemente en el arte contemporáneo, es como este tipo de tendencia establecida por Fluxus , de mezclar el arte contemporáneo con la música, está recuperando popularidad . Creo que tiene que ver mucho con plataformas como SoundCloud y Bandcamp , y también con softwares como Logic y Live . Supongo que también tiene que ver mucho con lo que has dicho sobre cómo el software se convierte en parte de nuestra cultura, especialmente a medida de que este se vuelve mucho más accesible.

Amy Alexander - No creo que esta práctica se haya interrumpido desde collage dadaísta . Piensa en los espectáculos de luz de 1960 que improvisaban representaciones visuales de varias capas en tiempo real con música , el scratch vídeo de los años 1980 y 90 , y así sucesivamente. El software ha vuelto a este tipo de práctica más accesible, y sin duda la ha transformado,  ya que el software trae sus propias convenciones, autoría , etc, pero la gente ha estado remezclando medios por lo menos desde el siglo 20 - Creo que los medios mismos inspiran / frustran / instigan a la gente a responder a ellos mediante la reutilización de los mismos.

K- Sé que tienes una educación musical. Así que la primera cosa que quería preguntarte es si fue antes o después de tu participación con el software y el net art? ¿Y cómo ambos campos , música e Internet , se influido mutuamente en tu trabajo? ¿ El software ha desempeñado un papel clave en ello?

A- Mi primer campo fue la música, luego estudié cine y vídeo en tiempo real. Después comencé a trabajar con software. Esto se debe a que soy muy vieja ; ¡no teníamos computadoras en aquel entonces! Bueno, eso es una verdad a medias - Tomé algunas clases de programación en la escuela secundaria y en la universidad a mediados de los 80 . Pero no me gustó mucho y no empecé a utilizar la programación en mi trabajo creativo hasta la escuela de posgrado a mediados de los 90 . La razón de esto es que la mayoría de las veces pienso en las cosas en términos de tiempo , movimiento y rendimiento. El software es principalmente de interés para mí como un proceso basado en el tiempo - bucles crear ritmo , tema y variaciones ; el software es también un instrumento tocado por un intérprete, y así sucesivamente . Creo que concebir al software bajo un flujo temporal aplica no sólo al software "artístico", sino también a la manera en la que una gran cantidad de gente utiliza un software. Piensa en cuántas veces la gente prefiere para anotar sus pensamientos en un papel en lugar de escribirlos en la computadora - a pesar de que pueden escribir en un teclado más rápido de lo que escriben a mano. El software a veces rompe el flujo de nuestros pensamientos - ¿por qué es esto? ¿Puede haber algo que interrumpa en los menús y cuadros de diálogo ? ¿Los pensamientos fluyen mejor cuando se puede garabatear errores en lugar de la tecla de backspace ? ¿El diseño de las líneas en la página es un problema? ¿El teclado ? Creo que todavía asumimos a la mayor parte del software como algo "estático ", pero eso es algo que probable deberíamos replantear.

K- ¿Cómo decidiste mezclar , o tal vez resaltar, el acto performático en el trabajo con las computadoras y trasladarlo fuera de la sala informática habitual a otros espacios como en Discotrope y CyberSpaceLand ?

A - El software viene originalmente de los militares, pero en la tradición más reciente y familiar viene del mundo de los negocios y oficinas. En los años 70 y 80 , los ordenadores eran cosas de oficina y la gente se sentaba en los escritorios a trabajar en ellos : por lo general parecía algo triste. Como ya he dicho , empecé como músico y cineasta - No soy muy buena para estar sentada sobre mi trasero . Toqué instrumentos muy gestuales cuando era niña - violín , batería, guitarra, bajo - y yo estaba acostumbrada al carácter icónico de la " estrella de rock sudorosa" (o incluso la " violinista apasionada !"). Cuando las computadoras comenzaron a aparecer en contextos  como la música y el performance visual, me di cuenta de que todavía tenía una gran parte del "bagaje" de su historia como máquinas de oficina . Esto quiere decir que en realidad era difícil hacer un live performance ( ya fueran visuales, música, etc ) y no parecer que uno estaba sentado programando una base de datos. ¿Qué le pasó a la estrella de rock sudorosa? Así que me puse a pensar que: a) esto era aburrido para el público , y b ) si las personas en su tiempo libre fueran condicionados a comportarse como si estuvieran trabajando, podrían llegar a ser tan obedientes, significando el fin de la actividad contracultural - ¡eso no puede pasar! ;-) Así , con CyberSpaceLand me puse a crear una configuración de rendimiento que exageró la performatividad , mediante la creación de aparatos utilizados por VJ ubergeek , un personaje muy muy geek, pero  aspirante a " estrella de rock sudorosa " . Volviendo a la idea de espacios: con CyberSpaceLand , Discotrope , y los performances en la calle iniciales de SVEN , estábamos interesados en el rendimiento fuera de los espacios de arte habituales como son las galerías. Pero este es también el caso con cualquier cosa que hagas en Internet, ya que el Internet no es en general tampoco un espacio de arte.

K- ¿Esto tiene que ver con la forma en que otros proyectos tuyos como Multicultural Recycler y SVEN estaban exponiendo gente detrás o grabadas por cámaras web?

A- Yo diría que hay una conexión , ya que todos son , de un modo u otro , sobre el performance. El Multi -Cultural Recycler y SVEN tratan por un lado sobre la vigilancia, pero por el otro tratan del exhibicionismo. A la gente le gusta aparecer en la cámara - actuar para ella - más a menudo de lo que están dispuestos a admitir. Estoy interesada en ese espacio incómodo entre los ambos - en el que ser un observador pasivo se vuelve ser un intérprete voluntario. ( Este es también un tema dentro de Discotrope . )

K- Una cosa que siempre me ha llamado el interés es cómo Multicultural Recycler necesita los clics de los visitantes para generar sus imágenes. Aunque la obra de arte es el propio recycler, este sólo puede ser activado y renovado por sus usuarios. Tal vez el software art (y todo tipo de software) está más cerca del diseño de lo que está del arte, hablando en términos de que es algo construido para ser utilizado. ¿Cuál era tu objetivo al crear obras de arte no sólo que se pudieran utilizar sino que necesitaban ser utilizadas?

A- Probablemente es mejor si te contesto como cuestiones separadas. Hice el recycler en el 96 , por lo que en ese entonces yo no estaba pensando en ello en términos de software . Pensaba en ello como un proceso. La mayoría del net art entonces era estático , y yo estaba pensando en cómo la red “corría” en equipos que también “corrían” y hacían cosas - así que pensé que tenía sentido que este arte debía hacer cosas. Así que en ese sentido , yo estaba pensando en el software . Pero en cuanto a la convención del clic en el software: En aquel momento , la "interactividad " era una palabra de moda . Se suponía que era una cosa realmente grande - a los artistas se les dijo que debían hacer todo interactivo. Pero esta afirmación por lo general bastante acrítica , como si la interactividad volviera automáticamente bueno algo. Parecía no importar si la interactividad en un proyecto tenía una razón o no. En el Recycler - bueno, en realidad había una razón funcional para hacer clic: así el software sólo generaría una imagen cuando tuviera alguien que la viera ( era demasiado intenso en cuestiones de red y uso intensivo del procesador como para funcionar continuamente . ) Pero la opción de publicar la imagen en la " galería " y poner su nombre en ella era algo así como mi manera sarcástica / frustrada de protestar contra la interactividad obligatoria y sin sentido - ya que lo único que necesitaban hacer los usuarios para crear una obra de arte era hacer clic.
(Para más ideas sobre la interactividad en esos tiempos ver la entrevista de Alexei Shulgin con Tilman Baumgärtl - “ I don’t believe in interactivity, because I think interactivity is a very simple and obvious way to manipulate people.” http://kunstradio.at/FUTURE/RTF/INSTALLATIONS/SHULGIN/interview.html
También, jodi.org hizo un montón de proyectos en ese tiempo alrededor del tema del clic compulsivo.)






















De cualquier manera - no fue hasta unos años más tarde, cuando empecé a hacer software de escritorio, que realmente empecé a pensar de esa manera. Mi primer software de escritorio fue CueJack (bajo el nombre Cue P. Doll ) alrededor de 1998 o 1999 . ( Http://cuejack.com ) Era un software escrito para un escáner de código de barras gratis, pero CueJack hacía lo opuesto a lo que el escáner se suponía debía hacer (que la gente comprara los productos.) En realidad no era que me opusiera a la publicidad - me oponía a asumir que la gente escogería usar de manera activa el software (y hardware) para hacerse llegar la publicidad a sí mismos. Sentí que una línea había sido cruzada... Mi siguiente utilidad de escritorio fue "Scream ". ( Http://scream.deprogramming.us/ ) Ese fue más específico sobre el software - trató la idea de que el software asume usuarios racionales, sin emociones, que hacen cosas utilitarias como informes de escritura , hacer hojas de cálculo, y tal vez incluso vídeos. Quise imaginar gente más realista- con rabia, frustración y disfuncionalidad . Era difícil para un usuario conectarse en línea y encontrar un software que ayudaría  en esfuerzos humanos populares como gritar.

K- La mayoría de los artistas están seguros de que el arte (contemporáneo) no se puede dar en medios como la música o el VJing, asumiendo que el arte se trata de hacer sonidos extraños o replicar el Pabellón Philips después de 56 años. Tu trabajo es una prueba de lo equivocados que están . ¿Quería saber por qué elegiste la música y el VJing como sus medios y no el arte sonoro o ejecución audiovisual convencional?

A- Yo no tengo nada en contra de ninguno de ellos. No creo que los géneros pueden ser intrínsecamente "mejor" que otros géneros - no es lo que haces ; sino cómo lo haces. Para el arte del sonido , creo que no lo he probado porque no tengo un conocimiento profundo ni en sonido ni en trabajo con el espacio ( es decir, mi experiencia visual es en el cine en lugar del estudio / galería de arte. ) En cuanto a los audiovisuales "convencionales" vs VJ'ING : Si te refieres a performances tipo "live  cinema" - quizás haga esto en el futuro. La razón por la que me interesé en el VJ'ING por primera es que estoy muy interesada en espacios "públicos" no artísticos. Cuando haces VJing , se llega a realizar , por ejemplo, en los clubes , en los que la gente no espera "arte" - se llega a trabajar con diferentes públicos y de una manera diferente que en espacios de arte . Es una idea similar con el software art y el arte en la red , que al menos en los años 90 y principios de los 2000 tenía un público "general " en Internet . Hoy en día, las audiencias en línea son mucho más fragmentadas , por lo que es más difícil llegar a un público más amplio de lo que solía ser antes( todavía es posible, pero hay que hacer un tipo diferente de esfuerzo y probablemente dependerá mucho más de la suerte. )

K -Software necesita usuarios de los usuarios , y un vj / músico necesita publico. ¿Cuál es la importancia que ves en la conexión ( a través de Internet o en el desempeño ) que tus obras establecen entre ellas y su público?
A- Supongo que esto es diferente en cada caso . Por ejemplo , yo estaba diciendo que CyberSpaceLand es diferente dependiendo de si lo estoy haciendo en un club nocturno o en un evento de arte. En una discoteca, estoy actuando para un público que está ahí para bailar , beber, etc. Las personas van y vienen , charlando con sus amigos, y así sucesivamente. Entonces, ¿cómo hace uno un espectáculo donde las imágenes sean narrativa textual ? Obviamente una audiencia en un club de baile no va a mirar a la pantalla. Así que yo estructuro esos shows como una narrativa ambiente suelta que de cierta manera te enjuague. No importa si se te va algo ; aún así entenderás la idea. Es una especie de análogo a las letras de canciones (aunque estructurada totalmente distintas a estas. ) Puedes ir a un club o un concierto y aún así captar el sentido de las letras , incluso si no entiendes cada palabra de ellas. Además, en los clubes , mis actuaciones físicas tienden a ser relativamente de bajo perfil , ya que probablemente estoy realizándolo por lo menos un par de horas , y voy a estar compartiendo el escenario con DJs y músicos. Así que mi personaje " estrella de rock " es más un músico de fondo que un lider en dichos casos. Por otro lado , si se trata de una galería de arte o un festival, o algún otro espectáculo en el que yo soy la figura “principal", entonces el público espera verme y ver a la pantalla la mayor parte del tiempo. Hago shows más cortos, más estructurados , que son un poco más teatrales . Me tomó un poco cuando empecé a darme cuenta que tenía que ajustar el programa y el personaje para las audiencias. También, a veces me equivoco en cuanto a las expectativas de la audiencia y tengo que ajustarlo sobre la marcha. No siempre consigo hacerlo , pero me gusta siempre probar cosas nuevas con los distintos públicos de todos modos. Y hay algunas cosas que me gusta probar en ambos tipos de públicos - como vagar lejos de la computadora y hacer el performance en medio de la multitud.

Así que supongo que el resumen es - la conexión con el público es como conectarte con cualquier persona con la que te encuentras por primera vez : se intenta planificar, lo juegas de oído , y sólo consigues lograrlo algunas veces. :-)