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 Fall-Winter febrero 2014
  Contemporary art & theory journal

Después de Material.
Katia Haus

Tras la semana más artsy del DF tengo varias cosas que decir. La primera es una cita a Robert Musil, quien dijo, "Si hay arte, está donde menos lo esperamos". La verdad es que lo más desesperante, y quizas el precio a pagar por tener una aparente escena artística de primer nivel, es la ola colateral y fugaz de expertise que esta semana genera, y que va desde Avelina Lesper y su flotilla de pintores, hasta artistas de todos los medios y conossieurs que se quieren sentir interesantes, y quienes a más de 50 años del nacimiento del casi extinto arte conceptual, continúan concibiendo la estética bajo cánones de belleza greco-latinos.

El problema principal es que ya se ha comprobado que no todo lo bello es arte, que no todo el arte es bello, que los cánones de belleza son únicos para cada persona, y principalmente, que no todo el arte nos va a gustar. Esto ocurre porque la definición más sensata del arte, es que quien reclama la autoría de una obra, considera a la misma un objeto/idea/actividad relevante a la que vale la pena prestarle nuestra atención. Puede gustarnos o no, pero la realidad es que vemos/escuchamos/leemos algo con un enfoque distinto si se le llama arte, llegando comúnmente al punto de la indignación. Esto podría dejarnos vagando sin rumbo alguno por el ancho mar de la creatividad, pero afortunadamente, podemos citar a Tolkien y decir: “Not all who wander are lost”.

Antes de que Tolkien utilizara esta idea, el escritor Robert Walser planteó la posibilidad de andar sin un rumbo alguno. Robert y su hermano Karl decidieron a una edad temprana convertirse en artistas. Sus carreras culturales y su educación, en su mayoría autodidacta, se desarrollaron de manera paralela. Compartían sus libros, junto con sus ideas y pensamientos de los mismos. Cuando Robert decidió trasladarse a Berlín a mediados de la primera década del siglo 20,  Karl ya vivía ahí trabajando como pintor. Gracias a él conoció a Bruno Cassirer, quien más tarde sería el editor de los primeros libros de Robert.

Las narraciones disyuntivas de Walser mostraron fragmentos y detalles que no estaban encuadernados a un punto de vista fijo. Su “Ojo Móvil ”, o la visión del caminar, creó una presencia que se percibe como un limbo. Michel de Certeau también apunta a ir más allá de las dicotomías del interior y el exterior, así como del lugar y no-lugar. De Certeau define al espacio como un lugar que se practica: una intersección móvil que puede ocurrir sólo a través de caminar. Esta característica es la que tanto en De Certeau como en Robert Walser, transforma a la geometría abstracta de un lugar en la experiencia del espacio.

Si aceptamos que el arte (sin importar si somos público o artistas) se percibe en todos sus casos bajo la lógica de un pasante, podemos ver cómo sin excepción el arte ha comenzado antes de que llegáramos a él . Esta falta de arraigo es tan fuerte en la experiencia del viajero/artista/caminante/espectador, que se vuelve su aura protectora. Es un sentimiento, a menudo liviano, que se puede ver en escritores como Walser o Rimbaud de manera más articulada.

Si comparamos los espacios Walserianos con fenómenos supremáticos, podemos concebir al arte, no como una manera de trabajar, sino como el espacio en el que desempeñamos nuestro oficio. En su libro-objeto S , M , L , XL, Rem Koolhaas evoca varias cuestiones del estado posturbano que se genera a causa de la omnipresencia que tiene la urbanización. Una de ellas es, cómo una ciudad posturbana existe bajo la configuración inestable de una transformación constante y perene. En dicho fenómeno, la ciudad pierde la distinción entre su núcleo y periferia, a consecuencia de cambios que se dan rápidamente en todos sus sectores. Una vez que desaparece su núcleo, la periferia se evapora, transformando a la ciudad en una yuxtaposición aleatoria de entidades que no tienen nada en común excepto su coexistencia.

El mundo del arte experimenta exactamente el mismo fenómeno. Lo más sensato a mi forma de ver, es aceptar que el arte existe gracias a que las consecuencias de nuestra creatividad co-existen. Es decir: sólo podemos valorar la música de alguien como John Cale si hemos escuchado la música de alguien como Yuri. Aún más importante: la existencia de la música de alguien como Cale responde a la de alguien como Yuri. Y lo más importante: la música de alguien como Yuri existe gracias a la de alguien como Cale.

Cuando Paul Delaroche vio la demostración pública de la fotografía, dijo: «hoy, la pintura ha muerto», pero para su desgracia al poco tiempo aparecieron los ismos. La razón por la que la fotografía no pudo ni podrá matar nunca a la pintura, es que quienes practican una disciplina son los únicos que la pueden extinguir. Si la pintura muriera, sería por culpa de los pintores; si cayera la fotografía, sería a manos de los fotógrafos; si lo hiciera el arte conceptual, la culpa la tendrían sólo los conceptuales.

Si esto no ocurre, es porque quienes trabajan con dichas disciplinas quieren enseñar que otra manera de hacer arte es posible. Que lo que nos gusta de cierta disciplina puede ocurrir en otra, pero de manera distinta. Y que las características de lo que hacemos o de lo que nos gusta, están determinadas por nuestro desacuerdo con las características de lo que hacen otras personas. Sin duda no todo lo que se exhibió en MACO y Material fue de mi agrado, pero doy gracias de que así fuera. Me preocuparé el día en el que no vea distinción alguna en el arte, y como consecuencia, todo me guste, o todo me desagrade. Ese día habré quedado sumida en la depresión de la monotonía, y no podré ya conocer lugares nuevos. ¿Cómo desplazarnos si ningún destino nos agrada? y por otro lado, ¿podríamos encontrar nuevos horizontes estancados en una zona de comfort?


























Aldo Chaparro y James Turrell en la Galería OMR.